Kim Mupangilaï (1989) est une architecte d’intérieur, designer et professeure belgo-congolaise basée à New York, enseignant à la Parsons School of Design. Son travail explore les intersections entre identité, culture et histoire, élaborant des récits qui défient les conventions et inspirent le dialogue interculturel. En combinant son double héritage avec des pratiques de design contemporaines, Kim crée des œuvres qui résonnent à l’échelle mondiale, reliant histoires méconnues et préservation culturelle à travers des approches innovantes. Après avoir obtenu un Bachelier en design graphique et un Master en architecture d’intérieur à la LUCA School of Arts en Belgique, Kim s’est installée à New York en 2018 pour lancer sa pratique. Ses créations reflètent la résilience, l’héritage ancestral et les complexités de l’identité, repoussant les limites du design de collection à travers la matérialité et la narration. Son approche novatrice lui a valu une reconnaissance mondiale, notamment une nomination et une sélection comme Lauréate de la AD100 List Moyen-Orient & Afrique 2024. Sa Bina Chair, reconnue par Hypebeast comme l’un des 100 designs les plus collectables du XXIe siècle, a également été présentée dans la triennale de design OBJECTS: USA 2024 organisée par R & Company. Ses créations ont été exposées dans des institutions prestigieuses, notamment le Cooper Hewitt Museum et le café récemment installé au Brooklyn Museum en 2024. En 2025, elle dévoilera de nouvelles pièces lors du FOG Design+Art Fair à San Francisco, poursuivant son exploration de la narration à travers le design. Ses recherches actuelles sur l’Art nouveau et l’histoire coloniale congolaise témoignent de son engagement envers des récits complexes et un dialogue interculturel. Présentée dans des livres et publications de renom tel qu’Architectural Digest, Vogue, Hypebeast et Surface Magazine, son travail a également figuré en couverture de Milk Decoration Magazine et de Sabato Magazine.
Pratique artistique
La pratique artistique de Kim Mupangilaï représente l’intersection de ses racines belges et congolaises. À travers son travail, elle explore la fusion de ces deux influences culturelles, cherchant à approfondir les couches complexes du patrimoine, de l’adaptation et de l’identité culturelle. En particulier, son exploration de la relation entre l’art congolais et l’Art Nouveau belge est devenue un axe central. Cette oeuvre n’est pas simplement personnelle ; elle constitue un dialogue interculturel qui mêle design fonctionnel et profondeur esthétique. Pour son prochain projet, Kim envisage un studio conçu pour stimuler la créativité et encourager des collaborations visant à repousser les limites du design inclusif. Cet espace soutiendra des initiatives de recherche et créera des opportunités pour des partenariats significatifs avec des musées, des institutions éducatives et des voix issues de communautés sous-représentées. Avec le soutien de la Fondation Boghossian, Kim souhaite poursuivre ses recherches sur la manière dont les influences congolaises ont façonné le design européen, afin de créer une compréhension plus profonde de la frontière entre appropriation culturelle et appréciation.
Focus sur les œuvres sélectionnées pour le jury
L’exposition Hue Am I/Hue I Am (2023) témoignait de sa capacité à allier patrimoine et innovation. Les oeuvres sélectionnées pour le jury explorent sa dualité belgecongolaise, chaque pièce reflétant les couches de son identité. L’une des pièces majeures, la Bina Chair (2023), réalisée en teck, raffia et pierre volcanique, remet en question les perceptions de l’équilibre et de la stabilité, incarnant la fusion de son héritage culturel. L’Armoire Mwasi (2023), une autre oeuvre importante, s’inspire des boucliers africains et du savoir-faire traditionnel congolais, alliant design moderne et symbolisme ancien. L’utilisation par Kim de matériaux naturels tels que la pierre volcanique, le teck et le rotin crée un art fonctionnel à la fois riche esthétiquement et utile. Le contexte plus large de l’exposition aborde des thèmes tels que l’identité, la complexité de l’adaptation culturelle et la frontière entre appropriation et appréciation culturelles, faisant de cette sélection une déclaration forte dans le design contemporain.
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Images: Luis Corzo
